Lauréats 2023 :

Résidence de création à l’hôtel WindsoR de 4 semaines entre le 2 janvier et le 28 février 2024 ou 2025, dotée de 2000 euros.

Restitution lors d’une prochaine édition du festival. Avec le soutien de FixCity.

1er Prix : Melisa Yagmur Saydi 

Demande à la poussière, 2023

Coup de cœur du Jury : Arnaud Biais

Promenade autour de ma tête, 2023

Artistes sélectionnés : 

Arnaud BIAIS

Louis DAVID

Dazzled Project

Roméo DINI

Juliette GADENNE

Abderrahim « Rouji » KEBBAB

Dosoung KIM

Lou LE FORBAN

Guilherme MARQUES

Simon PASTOORS

Jeanne ROCHER

Sébastien SCHNYDER

Melisa YAGMUR SAYDI

Membres du jury :

Présidente de JURY : Marta Gili, curatrice indépendante

Stephanie Airaud, directrice du Mac de Marseille

Anne-Sophie Dinant, curatrice indépendante   

Marc Donnadieu, curateur indépendant

Muriel Enjalran, directrice Frac Sud – Cité de l’art contemporain

Raphaëlle Stopin, directrice du centre photographique de Rouen

Matthieu Vabre, co-directeur et directeur artistique de Biennales Chroniques Marseille

L’hôtel West End, hôtel prestigieux de la Promenade des anglais accueille cette année à nouveau le Prix OVNi Sud Emergence une sélection d’artistes de moins de 39 ans, résidant en région Provence-Alpes-Côte d’Azur.

L’objectif : promouvoir et valoriser les artistes émergents de la région en offrant des rencontres avec des professionnels, des artistes locaux, nationaux et internationaux.

Le Prix : soutenu par un mécène à hauteur de 2000 euros, accompagné une résidence à l’Hôtel WindsoR et d’une restitution.

Artistes : Arnaud Biais en collaboration avec Luc Bertrand

A quoi ressembleront les ruines des trains fantômes ?

Nus, désossés, isolés ici les seuls liens sont à tirer par les cheveux.

Reste augmenté, mouvement de fin de course, objet transitionnel, comme bloqué entre ce qui à produit et ce qui sera produit.

Une sorte de bibliothèque vandalisée penchant légèrement vers des cinématiques d’horreur où les ombres sont aussi présentes que les objets eux-mêmes.

Ici encore une forme d’adolescence, pas tout à fait indépendante, cherchant à s’exprimer avec son propre langage et dont le but premier est récréatif sans fonction défini(tiv)e, aspirant finalement à des états contemplatifs.

110kHz fait référence au numéro de la maison dans laquelle l’artiste a grandi ainsi qu’au seuil de fréquence maximale émise lors du feeding buzz des chauves-souris : séquence de signaux très rapprochés permettant d’attraper une proie. La genèse du projet est de reproduire virtuellement des espaces dont il se souvient à partir d’images mentales et de souvenirs exclusivement, le désir étant de réinterpréter les matériaux que sont la mémoire et la nostalgie. Ces matières faites de souvenirs, de rêves, de projections mais aussi de dénis deviennent alors territoires, des territoires d’exploration sans début ni fin, à motif itératif, obsessionnel. S’ils sont initiés par des éléments personnels et intimes, leur mise en oeuvre, inspirée des modèles de génération d’image par débruitement, vise à les rapprocher d’une appréhension collective de la mémoire et de la nostalgie.

“ C’est la leçon des chauves-souris : pour voir le visage de ce qui te fait souffrir, tu dois faire de ta douleur un collier qui enchaîne des perles de silence aux perles de tes cris. Si le cri est perpétuel, plus rien n’est visible. ”

– Wajdi Mouawad, Anima (2012)

Dazzled est une installation collective réalisée par Hélène Bellenger, Margot Millet Valia Russo. Cette installation questionne la manière dont les réseaux sociaux et les nouvelles technologies modifient notre rapport au visage, à l’autoportrait et la représentation de soi en ligne.

Dans cette installation immersive Roméo Dini s’approprie des images dénaturées et impersonnelles de ciels, trouvées sur internet. Il les assemble pour en
faire un espace évoquant la mélancolie d’un potentiel extérieur paisible.
Entre insomnie et onirisme, ce dispositif nous plonge dans un espace aux frontières de l’imaginaire et de la réalité.
Des vidéos YouTube de «timelaps» de ciels sont projetées au travers des hélices des ventilateurs via Les vidéo-projecteurs qui y sont fixés.
Les ventilateurs produisent de l’air qui s’associe aux images des nuages, ils effectuent également des mouvements rotatifs projetant ainsi les vidéos dans tout l’espace.
Le son du vent remplit la pièce, à l’instar d’un bruit blanc, les hélices des ventilateurs, elles, par leur vitesse découpent les différentes couleurs de la vidéo projection, la ramenant à son statut numérique créant ainsi une sorte d’arc en ciel RVB.
La lumière, le mouvement et la cacophonie tentent de donner une lecture vivante du non-vivant.
Cette installation joue avec différents degrés d’iconicités, plongeant le regardeur dans un univers de veille, hors du temps.
Elle propose une forme de poésie à la fois absurde et tendre. Entre image et mouvement.
Comme si l’on avait essayé, en vain, avec des éléments à portée de main, de créer une machine à fabriquer le ciel.

Né en 1998 à Marseille, Roméo Dini vit et travaille entre Paris et Marseille. Diplômé en 2021 de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris.
Dans ses propositions plastiques, il aborde des univers incluant de nouveaux espaces dans nos réalités, tels que les jeux vidéo et les réseaux sociaux. Au travers d’esthétique et d’images propres aux cultures geeks, alternatives ou populaires qui construisent internet, son travail envisage les espaces virtuels et les éléments qui le composent de manière poétique. Il tente de donner forme aux sentiments que l’on peut ressentir vis-à-vis de ces lieux impalpables. Souvent empreint de décalage ou d’humour mais aussi et surtout de mélancolie, il s’intéresse particulièrement à la disparition et à l’archivage des images et des espaces qui ont construit le début d’internet, tentant de rendre compte de cultures et de codes souvent négligés.

Ville utopique, ville vernaculaire. Ikósion est une ville à la géométrie poétique et aux lignes imparfaites en dialogue constant avec la mer.
L’architecture d’Ikósion se veut minimale. Des blocs de maçonnerie qui se dénudent de toute céramique et menuiserie pour ne garder que l’essentiel.
Des objets perdus, objets voyageurs, traversent la ville… mais aussi des voix et mélodies qui permettent de créer le dialogue entre cette Casbah déconstruite et une méditerranée fantasmée et nostalgique.

Fin août, un village des Alpes-de-Haute-Provence est frappé par une épidémie de peste dansante qui vient plonger humains et animaux dans la transe.

Lou Le Forban est née à Marseille, elle est diplômée des Beaux arts de Paris et du Fresnoy. Son travail s’articule autour des champs de la vidéo, de la performance et du dessin. Elle compose le cadre de ses films comme des peintures, dans une esthétique du collage propice à la rencontre de différents imaginaires, allant du fait divers historique au récit vernaculaire. Dans ses œuvres, la dimension ludique et merveilleuse est liée à un comique souvent onirique, parfois inquiétant. Le corps y est présent dans sa capacité à suggérer un langage mouvant.

La légende du Mistral, le maître du vent, est bien connue pour son pouvoir de rendre fou, particulièrement en Provence. Ce souffle puissant du nord-ouest, décrit comme « le frère le plus libre de la liberté » par Nietzsche, est devenu une véritable obsession et source d’inspiration.

« Birutas, Mistral » présente une installation avec des sculptures, espèces de manche à air qui matérialisent la présence invisible du vent, leur donnant ainsi une forme, un visage, une voix et un mouvement.Les images de cette installation qui annonce l’arrivée du Mistral, sont accompagnées d’un son tout aussi captivant et envoûtant. Cette mélodie hypnotique est composée par le vent qui souffle et murmure à travers les voiles des bateaux.

Il n’est pas rare d’allumer la télévision lorsque l’on rentre dans une chambre d’hôtel. L’objet apporte une intimité, un chez-soi. On tombe sur une chaîne d’info ou sur un bulletin météo.

À mi-chemin entre le plateau de télévision et le décor d’un jeu de rôle enfantin, le dispositif de captation vidéo proposé par l’artiste emmène les spectateurices à faire l’expérience et incarner le discours d’une icône populaire, Catherine Laborde, miss météo sur TF1.
Symbole d’une époque, la lecture de son discours transporte dans un temps où l’écran de télévision constituait l’objet central et unificateur du foyer.

Dans cet espace transitoire qu’est la chambre d’hôtel, déjà par nature mis en scène, il s’agit de faire l’emprunt d’une identité nouvelle.
La chambre devient le paysage paradisiaque au sein duquel les spectateurices sont plongé·es et le décor d’une télévision à l’intérieur de laquelle iels sont les acteurices.

Simon Pastoors est diplômé en 2022 de l’École Supérieure d’Art de Clermont-Ferrand. À travers l’installation, l’édition et l’image numérique, son travail joue d’articulations et de mises en relation d’imageries populaires. Photographies vernaculaires, archives télévisuelles, souvenirs d’enfance, imageries d’espaces bien-être . Il s’inscrit au sein d’une culture rurale et prolétaire dans laquelle il a grandi, et discute des failles et des zones de paradoxes inhérentes à la construction des masculinités, à la fabrication d’un corps blanc viril et aux onirismes adolescents. Il interroge la dimension factice et la force des iconographies qui nous bercent.

Le Bon Marché à Paris, créé en 1838 naît à quelques années près des serres botaniques conçues entre 1834 et 1836. Elles remplacent les anciennes serres érigées au même endroit, et marquent les débuts de l’architecture métallique française. De grandes structures faites de verres et d’aciers, constituent les lieux de divertissements liés à ce qui se nomme alors le progrès. C’est dans une analyse de ces deux conditions du progrès de l’époque que vient prendre le départ de cette vidéo, où lors d’une nuit, se rencontrent deux lieux, lié par leur histoire, part la manière que l’on a à placer comme des collectionneurs des éléments sous cloche, dans des vitrines. Ces lieux, se développent en parallèle, bercé d’un lent son, ou l’étrangeté du nocturne nourrit une forme onirique, hors du temps. C’est la latence de ces espaces de contemplation contemporaine, ces espaces spécialisés, qui ont des fonctions et horaires définit, où lors du temps court de la vidéo, nous pouvons voir ces espaces vides en attente. Les plantes, sont à l’instar des objet vendu dans les magasins, la première forme de globalisation, les premières graines de plante venues de l’autre bout du monde. Les semences étaient ramenées parles colon, puis, après le végétal, vinrent les objets. Leurs relations sont ainsi similaires, de par leurs structures de conservation, dans ces grandes architectures d’acier et de verre, que dans leurs sources historique liée à la marchandisation pour une forme de divertissement, et ainsi économique.

Né en 1990 à Genève, Schnyder Sébastien est formé à la photographie au CEPV de Vevey dans un premier temps, il se dirige ensuite vers le design céramique, pendant quatre années à l’école des arts appliquées de Genève, puis continuera en art visuel où il sera diplômé de l’école nationale supérieur d’art la Villa Arson à Nice en 2023. Son travail a été exposé dans divers lieux tels qu’au Kunst(Zeug)Haus Rapperswil-Jona (2017), au 11e prix de la jeune création de Saint-Remy( 2021), a l’EAC les Halles, au KunstMuseum de Thun (2021), Au Musée d’Art et d’Histoire de Neuchâte et au Centre d’Art Contemporain de Genève (2022).